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"LAS CRONICAS DE ALAIN TELÓN", UN AVANCE DEL PRÓXIMO

MONTAJE TEATRAL DE SAMUEL GIBERT COBOS

Tras los montajes “ALGUIEN” y “SI TU SUPIERAS”, Samuel Gibert regresa con una nueva producción propia de SCARTARIS: Grupo Artístico. La obra se titula LAS CRONICAS DE ALAIN TELON y sigue la estela de las producciones anteriores de Samuel Gibert, producidas, escritas y protagonizadas por el mismo. En esta ocasión el autor encarnará a un personaje que durante 90 minutos ininterrumpidos relatará sus aventuras y desventuras en la gran ciudad en busca de trabajo como actor profesional. La obra será estrenada el próximo 3 de Diciembre en el teatro La Haceria, en Bilbao.

LAS CRONICAS DE ALAIN TELON comienza en una estación de tren, la estación de un pueblo inhóspito e intrascendente llamado Banal. Jorge Rodríguez esta a punto de tomar un tren con destino a La Gran Capital, donde comenzará su vida como actor. Dejando atrás con resquemor y desprecio el lugar que le ha visto nacer y crecer, Banal, Jorge se dirige a la ciudad con el deseo de no volver nunca mas a su pueblo. Pero, en el momento que nuestro protagonista va a tomar el tren, un fenómeno sobrenatural, mágico e inesperado, provoca que Jorge sea trasladado a otra dimensión, al mismo teatro donde se esta representando la obra original del autor de esta comedia (Samuel Gibert). El teatro  real y autentico donde los espectadores estan viendo LAS CRONICAS DE ALAIN TELON se convierte en un mundo también real para este personaje de ficción. Jorge, haciendo uso de una situación del todo incomprensible para el, relatará a los espectadores su vida como aspirante a actor desde sus inicios hasta el momento justo donde empieza la obra. A pesar de todo, ¿Volverá a su dimensión, a su propia realidad?, ¿y como volverá?... La respuesta en Diciembre de 2011.

LAS CRONICAS DE ALAIN TELON recoge el genero del monologo para la comedia y lo lleva mas allá. Su intención clara es la de contar una gran historia dentro, a su vez, de un gran suceso donde solo aquellos que se dejen llevar por la magia, lo desconocido y lo imposible pueden llegar a entender todos sus entresijos y mecanismos. Usando como en ALGUIEN, inspiraciones de las series de TV EN LOS LIMITES DE LA REALIDAD, NIGHT GALLERY o LA HORA DE ALFRED HITCHCOCK, el protagonista es situado en una realidad paralela a la suya. Como si la cuarta pared se destruyera o cayese por deseo de su autor, el publico y toda la sala teatral forman parte de la ficción de Jorge Rodríguez. Según Samuel Gibert “he tratado de salirme del concepto del monologo tipo El Club de La Comedia, con un humorista delante de un micro y un muro de ladrillos detrás como fondo. En esta obra existe un contexto de porque mi personaje esta en escena haciendo y diciendo su parte en la obra. Resulta, no obstante, algo irónico que el escenario de mi obra tenga un muro de ladrillos como fondo, pero es que se supone que la escena parte de una estación de tren. Por otro lado, la fantasía que tiene LAS CRONICAS parte de mi devoción por las historias de ciencia ficción. Es un genero genial para hacer las ideas mas descabelladas. Pese a todas las cosas que digo y hago para el publico conmigo solo en escena, veo mis obras  como obras teatrales y no como simples monólogos”. Trabajar con argumentos basados en ciencia ficción representa para Samuel un campo ya conocido con ALGUIEN pero en LAS CRONICAS la historia no trata en esta ocasión sobre alienígenas del espacio exterior sino de un paso de una dimensión a otra poniendo al personaje en jaque. “Es un concepto argumental muy del estilo de la serie de TV “Twilight Zone” de Rod Serling. En mis episodios favoritos de aquella serie el protagonista salta de un tiempo a otro, o muchas veces de una dimensión a otra, donde suceden cosas distintas pero en el mismo tiempo y espacio. En ocasiones son como pequeñas pruebas que La Dimensión Desconocida somete al personaje para hacerle vivir una aventura o muchas veces para redimirle o imponerle una lección ética. Eran guiones tremendamente originales. El saber que se trataba de un “algo extraño” provocado por un poder sobrenatural inexplicable hacia que todo adquiriese un tono intrigante y misterioso por un lado y chocante por el otro”. Dentro de la misma historia de tintes fantásticos, LAS CRONICAS se acerca con humor descarnado y sensibilidad a aquellos que han tenido que dejar atrás el lugar donde han vivido y compartido toda su vida para poder encontrar un futuro en una gran ciudad, un destino, a menudo, alimentado por los sueños de grandeza, de auto realización y los deseos de encontrar nuevos desafíos y retos difíciles. El sentido del humor de la obra cabalga entre la sátira y el humor absurdo y alocado de SI TU SUPIERAS y la potencia dramática y misteriosa de ALGUIEN. “No es mi intención hacer solo reír al personal. Creo que entretener puede también tener dos deseos, por un lado hacer reír y hacer pasar al espectador un rato agradable. Por el otro lado se puede procurar hacer pensar en algo sobre la vida, la existencia humana y todas esas cosas. Me cuesta apartarme de esta idea. Mi ironía, mi sentido del humor y mi sarcasmo parten de mi visión de la vida y como me gusta tomármela, aunque me pongo muy serio en algunas cosas puntuales y creo que todo buen sentido del humor bien enfocado guarda un mensaje o un contenido serio, un tema o una crítica”.

LAS CRONICAS presenta una situación que a muchas personas les sucede a lo largo de su vida, tener que dejar el lugar de origen para vivir en la gran ciudad por motivos de trabajo y por buscar un ideal, hacer realidad un sueño. “Algunos viajan a Madrid, u otras capitales como Paris, Londres o New York, porque piensan que allí esta el estilo vida que necesitan, piensan que esas grandes urbes responderán a sus demandas. En muchos aspectos tiene sentido, ¿pero que pasa cuando tu fantasía o inocencia no encaja con las expectativas?, ¿qué sucede cuando el fracaso te persigue en tus intentos de lograr el éxito?, ¿cuándo lo que pintabas de colores se vuelve gris?. Por un lado haciendo LAS CRONICAS me venia a la cabeza el film Cowboy de Medianoche, o la película La Chica del Adios. Por un lado esta el personaje que inocentemente trata de buscar trabajo deseando dejar atrás el pueblo y abrazar a la desesperada un mundo que desconoce, pensando que la “tierra de miel y leche” esta allí al alcance de su mano. Por el otro lado esta el aspirante a actor que se agarra a lo primero que encuentra, fracasa y vuelve con el rabo entre las piernas, pero al final su experiencia le hace encontrar nuevos y mejores horizontes. Tampoco puedo dejar de recordar El Viaje a Ninguna Parte de Fernando Fernan Gomez cuando he concebido esta obra. Supongo que muchas personas que conozcan algo de obras teatrales recordaran “Esperando a Godot” por la cosa de ver todo el rato a un personaje sentado en un banco viviendo peripecias extrañas, pero aunque esa imagen pueda aparecer fugazmente en las cabezas del publico o en la mía no creo que tenga nada que ver una obra con la otra”.

De nuevo Samuel Gibert actúa en solitario con un montaje escrito y realizado por el mismo. En esta ocasión la obra esta centrada en un solo personaje. “Es mi desafío, mi enfrentamiento a realizar un trabajo que no se parezca a ningún otro, o que por lo menos tenga algo de novedoso o de reto para mi. En mis tres trabajos en solitario anteriores me daba espacio a salir de escena algunas veces, al menos unos segundos para respirar y regresar al escenario con otra cosa, otra historia. Ahora tengo que estar de continuo durante casi 90 minutos sin parar y sin salir del ojo del espectador. Esto requiere un ritmo de trabajo para mi nunca alcanzado, conseguir mantener la atención, contar una historia y estar arriba sin agotarme y sin quedarme a  medio gas”. Con esto, no significa que Samuel Gibert se limite a interpretar a un unico personaje, a Alain Telón. Durante la obra no solo interpreta al protagonista sino a todos los personajes que deambulan por la vida del mismo. Para esta labor, Samuel busca el molde de sus personajes en todo aquello que le inspira algo que pueda funcionarle. “Es algo mas que imitar gente que has conocido, es intentar saber como son ellos por dentro. Cojo un poco de aquí y de allá, gente que conozco o actores que he admirado, personas que han pasado por mi vida y tipos que me han hecho gracia, y trabajo mis personajes desde esa base para luego deformarlos y hacer algo hasta cierto punto sacado de quicio. Lo que mas me gusta es sentir como mi cuerpo se transforma cuando me convierto en ellos y les uso para crear mis personajes”.

La vida real es un punto de partida para crear un mundo imaginario en la escena, pero ¿hasta que punto tiene esta obra similitudes con la vida del autor?. Samuel se aferra a que no todo son experiencias tomadas de la vida real suya sino observaciones de cosas que ha conocido y percibido a través de las vidas de otras personas. “El actor de origen humilde que luego triunfa en la gran capital no es mi ejemplo ni mucho menos. Parece mas bien un argumento sacado de  una película de Marisol o Joselito, salen de la pobreza y triunfan en la capital en algún concurso de canto, y ya esta. Mi personaje pasa por mayores avatares de los que cuales yo, por suerte no he tenido que sufrir. Y el futuro del personaje tampoco esta definido. Pero en algunas cosas me siento identificado con Alain Telón porque reconozco en mi ciertas frustraciones que he padecido, pero no todas. Al contrario de Alain, para empezar siempre he tenido una familia en mi casa que ha apoyado mi trabajo y me han ayudado a realizarlo. Por otro lado, la tentación de irme, por ejemplo, a Madrid a vivir y buscar trabajo como actor nunca la he llevado a cabo por motivos y convencimientos personales y profesionales. Pero si me identifico con aquellos que si lo han hecho, y a los cuales les hago un homenaje con esta obra. No es una biografía pero si tiene mis propias visiones en un marco humorístico de este mundo de los artistas de la escena. Supongo que mas allá del mundo de los actores, esta obra habla sobre la búsqueda de nuestro futuro, de nuestro trabajo “para toda la vida”, de los giros trascendentales que da a veces el presente, de los caminos impredecibles, de la búsqueda de la esencia de cada uno y como tras encontrarla hacer uso de dicha esencia”.

Como en otras ocasiones, Samuel Gibert se decanta por el sentido del humor y la comedia para poner en escena sus propuestas. SI TU SUPIERAS y ALGUIEN marcaron esa tendencia y con ALAIN TELÓN el autor trata de evolucionar en el genero de la comedia loca, absurda, inteligente, paródica y sub-realista. “¿Qué puedo decir ante este tema?. Los tiempos me marcan la necesidad de hacer humor. Nunca dejare de pensar que estoy contando una historia o estoy tratando de presentar una idea sobre algún tema de la vida, y al mismo tiempo hacer pasar un rato agradable y divertido. Pero me viene asi, de mi experiencia con todo lo que he leído, visto y admirado. Un poco de fantasía, una pizca de drama y mucho sentido del humor son mi mezcla favorita para un escenario, sobre todo estando solo en escena. Cuando hago drama me resulta mas fácil y cómodo estar acompañado de otros actores, se soporta mejor el peso del drama. La comedia, en cambio es un genero que se me hace muy atractivo en el escenario a solas. La respuesta del publico es muy directa y evidente, les siento a los espectadores mucho cuando me sigue en comedia. Y nunca dejare de recordar que llevo viendo comedia de toda clase y tipo desde que tengo uso de razón”. Samuel Gibert es consciente y no tiene ningún reparo en admitir que navega por aguas ya cruzadas por otros anteriormente.

De alguna manera obras como LAS CRONICAS es como un agradecimiento de Samuel a todos los actores que le han entretenido a lo largo de su vida. “Los actores de comedia que me han encantado siempre han sido Rick Mayall, Peter Sellers, Los Hermanos Marx, Jerry Lewis, Eddie Murphy (tendrían que ver sus monólogos), Los Monty Phyton (dios mio, los adoro), Rowan Atkinson, John Belushi, Jim Carrey, Hugh Laurie, Walter Matthau, Jack Lemmon, y las películas de Blake Edwards, Richard Lester, Los Hermanos Zucker y Jim Abrahams, Mel Brooks, las obras de Neil Simon… Y españoles como Gila, Faemino y Cansado, Tip y Coll, El Tricicle, el humor de Miguel Mihura o Poncela… Y no digamos Les Luthiers, unos argentinos que han influido mucho en mi vida. Con toda esa mezcla imagínense que sentido creativo de la comedia germina en mi cabeza. Me resulta difícil resistirme a hacer algo con ello”. Samuel Gibert recuerda también en la puesta en escena de ALAIN TELÓN  a los que se han reconocido como “los actores de toda la vida”. Manuel Alexandre, Agustin Gonzalez, Jose Luis Lopez Vazquez o Fernando Fernan Gomez. “Hecho de menos esos perfiles de actores. Tan auténticos, tan trabajadores, tan dedicados a entretener y tan sencillos en su manera de ejecutar sus interpretaciones. Actores que aprendieron a actuar en los escenarios, que apenas conocieron escuelas de interpretación o metodologías. Se trataba de creer o no creer, de hacer o no hacer, de salir al ruedo y tirarse a la piscina. Y hacer con las obras de teatro millas, muchas millas… Y películas, muchas películas. No se preocupaban en hacer grandes papeles para destacar sino en hacer bien su trabajo para el publico y tener una vida normal, sin tanto glamour y con mas interés hacia las artes escénicas. Una visión creativa y cultivada para una vida profesional y personal”.

Mientras este articulo esta siendo escrito LAS CRONICAS DE ALAIN TELON se encuentra en fase de construcción del decorado, diseño de la publicidad, adquisición de vestuario, atrezzo y retoques en la puesta en escena de algunos de los momentos mas importantes de la obra. “Nunca se sabe hasta donde puede decir uno que ya tiene la obra terminada, supongo que en teatro eso es difícil de apreciar. Primero estan todas las ideas puestas en el escenario, luego compruebas si funcionan, intentas no limitarte haciendo algo a medias o conformándote con poco, y finalmente tienes que dejar que la obra fluya por si misma y no hincharla de cosas para solo asegurarte un, de por si, incierto éxito. Lo que mas emociona y al mismo tiempo te deja intranquilo es cuando decides finalmente que algo se queda en la obra. No puedes dejar de pensar si realmente funcionará como uno piensa en un principio. Por eso es bueno ponerse uan fecha de estreno, asi uno sabe que tiene que terminar su trabajo y presentarlo si o si y de una vez por todas”.

LAS CRONICAS representa el nuevo trabajo con Samuel Gibert solo en escena y bajo su propia dirección y concepción del guion  desde hace 2 años que se estreno ALGUIEN. “me centre en SI TU SUPIERAS porque podía tener un éxito asegurado, y lo tuvo. Aparque ALGUIEN hasta que tuviera tiempo de darle el trabajo de producción que se merece. Y con LAS CRONICAS es mi regreso en solitario al escenario. De alguna manera es mi trabajo mejor acabado, le he dedicado mucho tiempo para pensarlo y concebirlo en mi cabeza, ha dado muchas vueltas y ha tenido cambios sustanciales el guion pero la idea inicial sigue siendo la misma. De alguna manera he tenido que dar un alto en mi vida artística para vivir otras experiencias importantes, y ahora regreso con las pilas cargadas, lleno de ideas y con mas ganas que nunca de darlo todo”. En este sentido, Samuel Gibert continua su andadura a lomos de su compañía Scartaris: Grupo Artístico que en estos momentos cumple sus dos primeros años. “Lo cierto es que Scartaris no ha parado. Tres obras escritas y protagonizadas por mi se han presentado bajo el sello de Scartaris, y ha participado activamente en los trabajos de preproducción y postproducción en 10 obras de la Escuela Muzzik bajo mi dirección. El equipo técnico de Scartaris ha construido decorados y atrezzo para todas estas obras, lo que significa 13 obras en dos años. Algunas piezas diseñadas y construidas por Scartaris son pequeñas obras de arte realizadas con mucho ingenio y materiales sencillos. Crear estas cosas es la parte mas divertida del trabajo que no ve el publico, en serio. Veremos si los últimos esfuerzos vienen acompañados de una buena acogida para LAS CRONICAS DE ALAIN TELÓN”.

 

Un articulo escrito por Raul García.

 

LAS CRONICAS DE ALAIN TELÓN se estrenará el próximo 3 de Diciembre en el Teatro La Haceria (Bilbao) y estará programada los días 3,4, 10,11, 17 y 18. Hora de los pases a las 20:00 horas. Muy pronto mas información en esta web.



ENTREVISTA A SAMUEL GIBERT PARA LA REVISTA

"EUSKADIOCIO". Una entrevista de Paula Ruiz.

P-Vamos a ubicarnos, Samuel. Tú naces y creces en Bilbao como un niño de los ochenta, fue entonces de niño cuando te entró este gusanillo del teatro?

R-Sí, vamos a pensar que sí, en el colegio se hacían obras de teatro una vez al año en carnavales, y durante cuatro años seguidos me apuntaba a las obras, y casi siempre con papel protagonista, más que por elección del profesor por demanda mía propia, por insistencia. En sexto de EGB escribí dirigí y protagonicé mi primera obra de teatro y la representé. Utilizábamos los recreos para ensayar, con lo cual, me odiaba todo el reparto.

P- Teniendo en cuenta toda la dedicación que has puesto en el teatro, sientes que te has perdido algo importante que el resto de los chicos hacía, como jugar en el recreo?

R-No hombre no. Esto solamente lo hice un par de meses, no más. El resto del tiempo era un chico normal, jugando a “Barreno” con el balón, y tirándome por los suelos. El tema es que después tocó ser mayores y se dejaron de hacer estas obras de teatro, con lo cual tuve que aparcarlo temporalmente. De todos modos estaba claro que yo apuntaba maneras.

P- Osea que hubo una época en tu vida en que no tuviste nada que ver con el mundo del teatro?

R- Por el medio han pasado muchas cosas. Hay épocas en que aparcas ciertas cosas porque piensas que a lo mejor son sueños edulcorados, entonces te dedicas a trabajar para conseguir dinero porque piensas que has de hacer un trabajo normal, que el resto son tonterías. Pero luego vuelves y defiendes tu postura. Uno mismo se quita y se pone sus propios deseos...

P-A pesar de todo has sido muy constante y has estado unido siempre de al- guna manera a este mundo que tanto te apasiona.

R- Sí, al final se trata de manifestar el arte o la cultura, de algún modo. Escribir críticas, ver cine, leer, tener amigos de ese mundo... Eso siempre te mantiene unido a lo que te gusta. Todo lo que me ha interesado en la vida lo he intentado aprender. Todo esto ha servido para enriquecer y complementar en lo que hoy me he con- vertido.

P- Actor, escritor, director, músico...no tienes la sensación a veces de que la vida no es suficiente, de que necesitarías muchas más para poder cumplir todos tus deseos?

R-No, de hecho a veces tengo de hecho complejo de vago, como de que no empleo todo el tiempo que debería, que no hago las cosas a tiempo, que no madrugo lo suficiente. Luego, si hay periodos en que se trabaja más y uno se siente bien consigo mismo, sobre todo si obtiene frutos del trabajo realizado. Pero al final, como casi siempre, espero más de lo que hago.

P-Te ha ocurrido alguna vez que te hayas quedado con la sensación de que no has dado lo mejor de ti en algún pro- yecto que has llevado a cabo?

R-La gente que me conoce sabe que lo doy todo, que me dejo la piel cuando hago las cosas, aunque he hecho cosas sin entender cómo había que hacerlas, he sido impaciente... A veces me da mucho miedo pensar que algo puede ser mediocre, me gusta que todo lo que haga este a la altura de las circunstancias. Aunque puede sonar un poco arrogante no lo es para nada, los grandes triunfadores siempre han apuntado alto.

P-Claro, el tema de la mediocridad está muy arraigado a los artistas. Pero a veces también puede resultar po- sitivo que la vida os de lecciones de humildad, porque así se aprende, no?

R-Hasta ahora no me había dado cuenta de hasta que punto era importante eso. Ahora me doy cuenta de lo pendiente que estaba de satisfacer mi ego, las cosas que me faltaban, estaba más pendiente de mi propia visión y estado. Si uno está en guerra con y se centra en eso, y le falta la técnica y el buen juicio, uno alimenta solamente su propia vanidad, y eso se nota.

P-Has dicho la palabra ego, algo que me interesa. Supongo que en el mundillo del teatro te habrás encontrado muchas veces con actores con un importante ego al que alimentar. No son estas luchas de ego, algo peligrosas?

R- ¡Antes de nada! Es mundo, no mundillo! Un ingeniero nunca dice voy a construir una casilla, ni un policía dice voy a coger a un ladroncillo. No entiendo el por qué de estos diminutivos, de estos “complejillos”.
Es como si a la gente le diera pudor darle importancia a algo que hace o ha creado para defenderse del resto,como intentando darle una importancia rebajada, es solamente una postura de miedo ante la crítica.

P-Respecto al ego...

R-El ego es importante, es el león que ha de dominar el actor. Hay que tenerlo, pero hay que impedir que te coma, y hay que enseñarle. Es positivo para ayudarte a estar presente haciendo tu trabajo, desear hacerlo bien, satisfacer a un público, recordar que empezaste con una motivación. Hay que gustarse, porque sino se va a notar. El ego te ayuda a hacer bien tu trabajo, pero mal enfocado es destructivo, te hace competitivo.Las cualidades de cada uno son lo bonito, y nutrirte de las del resto.

P-En un principio no se te haría demasiado fácil recibir críticas, porque confiando en ti y tus posibilidades tanto, y justo al estar empezando... te dolería.

R-Claro. El tema es que puedes tener talento pero te faltan las técnicas para emplearlo. Cuando te dicen los profesores que no vas bien te lo tomas por lo personal y no entiendes cómo no ven el talento.

P-¿Qué prefieres, una mala crítica de alguien conocido o de alguien desconocido?

R-Que publiquen en contra de tí te afecta de distinta manera. Las críticas de los medios son más difíciles que encajar que las de tus compañeros. Las de la gente conocida son las primeras barreras que empiezas, hasta anestesiarte. El salto es ver a tu público objetivo, ahí sabes si algo es verdad. Que la gente que no te conoce te valore, le gustes. El crítico es la carnicería... sacar todo lo malo y muy pocas virtudes de tu trabajo.

P-Para contrarrestar con estas críticas has contado siempre con el apoyo de tu familia y amigos?

R-Si pero no por eso han sido menos duros, sé que es para bien, pero me dan posibilidades para mejorar, todo queda en casa. Confío en su criterio aunque a veces les demuestro que se equivocan. Al final nadie sabe exactamente cual es el secreto del éxito, pero si es cierto que se tienen ciertas impresiones. Hay veces que hay que hacer un “brainstorming”.

P-A eso quería llegar, de dónde crees que salen estas ideas que se te suelen ocurrir? Consideras que tener imaginación desde siempre es importante?

R- La imaginación es sin duda lo más importante de todo, para el actor lo es todo. Las ideas se sacan de diferentes influencias. De la vida, lo que he visto y leído, de la tele, de los libros, de la música y el cine. Y de la gente que ves. Un actor primero empieza a imitar a los profesores del colegio, con sus compañeros como pú- blico,lo que ayuda de verdad son las experiencias. Todo depende de cómo gastes tu tiempo.

P- Osea, que piensas que hay profesiones que aunque no sean la de actor, te pueden vincular y acercar más al poder de soñar y de pensar este tipo de cosas?

R-Donde estés te puede inspirar muchísimo. Cuando he necesitado crear personajes me he basado en la vida real, en la gente que he conocido.

P-¿Alguna vez estas personas se han sentido identificadas consigo mismas en una obra que estaban viendo?

R-No hombre no, tampoco soy un suicida, no quiero que me peguen por la calle. A veces incluso mezclo tres personas reales para crear uno ficticio. Siempre hay que ser realistas ,saber lo que estás haciendo. Si tienes eso en mente tienes claro cuales es tu objetivo y te limitas a cumplirlo con mayor o menor éxito.

P-Dentro de los grupos a los que enseñas, habrá personas de un intervalo de edad muy amplio, qué encuentras en cada edad que resulta interesante a la hora de enseñar teatro?

R-Cada edad tiene sus pros y sus contras aunque también hay gente que se sale de esto.En lineas generales creo que la mejor época para hacer teatro es sobre los veintitrés, cuando la persona empieza a asentarse, tiene algo de experiencia y algo importante que decir. Y luego a partir de los treinta tiene más defensas, es más difícil acceder a ellas. Después a partir de los 50, vuelven a una regresión, vuelven a estar abiertos, no les importa el qué dirán, ni pretenden aparentar nada. De los niños me quedo con la espontaneidad, sobre todo la frescura, pero la parte negativa es que son muy indisciplinados y les falta humildad, son difíciles de llevar, no tienen nada que ver con los niños de mi generación, los niños que éramos nosotros.

P-¿Eso lo ves como algo negativo?

R-Sí. Me parece que hay tantos estímulos alrededor de ellos que es difícil bajarles de ese umbral y que disfruten de las cosas buenas que les pueden dar el teatro. Quieren todo inmediato y no tienen paciencia. Los esfuerzos no los ven, si ponen algo es por casualidad, no entienden de disciplina. Ven el arte como un delirio, no como algo serio. Las nuevas generaciones han tenido todo tan fácilmente que no están preocupados por esforzarse y dar cosas ellos, solamente piensan en rápidos resultados.

P-¿Tras esos premios como actor, cortos y obras realizadas como actor y directos... cuales son y cómo quiere llevar a cabo sus próximos proyectos de Samuel Gibert?

R-Mi ilusión es conseguir hacer las cosas a mi manera. Que salgan bien las obras de teatro con los grupos, sentir que lo que hago no es sólo un producto destinado a gustar, sino algo hecho gracias a mi capacidad creativa.
Que la historia bien contada y un trabajo bien hecho sea lo que me interesa y me mueva ahora mismo. Pretendo hacer un monólogo escrito por mí, sobre un hombre que cuenta su vida como aspirante a actor,como una obra de bolsillo que pueda llevar a todas partes.

P- Muchas gracias Samuel, esperemos que tengas muchísima suerte en esos proyectos de futuro.

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"ALGUIEN": Una Visita del espacio exterior... al interior.

alguien samuel gibert Actualmente Samuel Gibert se encuentra trabajando en los ensayos y el resto de tareas de realización de su nueva obra teatral titulada "ALGUIEN". Este nuevo montaje devuelve a su autor, director e interprete a la puesta en escena de una única historia tras los montajes EL ALMA EN BLANCO y SI TU SUPIERAS, donde se representaban varias historias independientes en argumento y personaje pero unidas por un objetivo común. Al igual que estos dos montajes, ALGUIEN esta interpretado exclusivamente por Samuel Gibert y le devuelve al genero fantástico al que pertenecía LEONOR, su opera prima.  En esta ocasión ALGUIEN se presenta como un montaje de apenas una hora de duración y realizado con los recursos indispensables para su puesta en escena. En esta ocasión la obra esta producida bajo un nuevo sello: SCARTARIS - GRUPO ARTISTICO, una compañia artistica fundada por Samuel Gibert, Rosa Cobos, Daniel Gibert y Rafael Matias. Colabora como productor Miguel Gibert.

ALGUIEN relata la pequeña odisea que vive un hombre huraño y aislado llamado Cristóbal cuando en su propia casa recibe la visita de un recién llegado del espacio exterior llamado Uhm. Este visitante se apodera del cuerpo de Crístobal, viviendo durante un periodo de tiempo reducido en su espacio corporal interior.  Uhm, haciendo uso del cuerpo de Cristobal, se apropia de todas las cosas de la casa para llevarlo a su planeta como muestra de la cultura de la raza humana. Al final tanto Cristóbal como Uhm descubrirán que existen necesidades del alma humana que merecen ser compartidas y de las cuales nunca se deben privar a nuestros semejantes. Al contrario de los simples bienes materiales que nos rodean, todavía permanecen cosas vitales entre nosotros que  hace falta apreciarlas para poder comprenderlas y conquistarlas. Cosas que el alma solo puede considerar, amar y respetar.

 

nixon pensando

ALGUIEN es un homenaje muy especial, en clave de tragicomedia, a los relatos televisivos de ciencia ficción de los años sesenta con series tan populares como THE TWILIGHT ZONE (En Los Limites de la Realidad) o THE OUTER LIMITS (Mas Alla del Limite) en los que participaron los guionistas mas importantes de la literatura fantástica del siglo XX como Rod Serling, Richard Mathesson y Ray Bradbury. Recordando a este ultimo ALGUIEN también posee guiños a una de sus obras mas famosas, FARENHEIT 451 así como de  inspiraciones de otras obras, desde 2001 UNA ODISEA DEL ESPACIO de Arthur C. Clarke y Stanley Kubrick a LA INVASION DE LOS LADRONES DE CUERPOS de Jack Finney, ALIEN de Ridley Scott y guión de Ronald Shusset y Don O´Bannon, o tambien LA GUERRA DE LOS MUNDOS de H.G. Wells. En lo que se refiere al guionista y escritor Rod Serling cabe destacar como la mayor influencia a la hora de encauzar la propuesta de ALGUIEN. Serling fué el productor y creador de la que se puede considerar como una series mas importantes de la ciencia ficción para tv, The Twilight Zone. En cada episodío se contaba una historia distinta, relatos de genero fantastico con un mensaje final para los espectadores. Serling (ganador de seis premios Emmy entre ellos como guionista) utilizó argumentos de ciencia ficción y fantasía para contar historias de gran bagaje psicológico y filosófico. A su vez, el tono de sus obras, podían navegar entre el drama, la comedia y la sátira fluyendo perfectamente entre si y formando un todo que hacia único a Serling como contador y narrador de historias. Su humor negro, su ternura y su sensibilidad hacia la historia y la política social y su conocimiento sobre los entresijos del alma humana parecían a simple vista temas inocentes al estar presentados en un marco de ciencia ficción y fantasía, pero detrás de los hechos increíbles que sus episodios (y sus versiones adaptadas para la literatura) mostraban se escondían planteamientos y debates inhabituales en la television americana, criticas duras y discursos que iban dirigidos directamente a una sociedad y una cultura  necesitada de una educación constructiva y una orientación ética.

Uno de los rasgos de las moralejas que afloran las historias de Serling residía en su capacidad de discernimiento y claridad sobre los mensajes que deseaba transmitir y basándose, sobre todo, en discursos fundamentados por una ética positiva, relativista y asertiva y no por una moral ciega ni perezosa. A su vez, ALGUIEN esta inspirada levemente en una pieza corta teatral escrita y dirigida por el mismo Samuel Gibert titulada EL REGALO DE SU VIDA y puesta en escena en la Escuela de Artebi en el año 2006 durante la celebración del Día Mundial del Teatro. Esta pequeña pieza ya venía inspirada del espíritu y el tono de las historias de Rod Serling. Si pinchaís aqui podéis ver la introducción de The Twilight Zone (titulada aquí como "En Los Limites de la Realidad" o "La Zona Crepuscular").

samu dormido

Pero esta nueva obra es, ante todo, una propuesta escrita originalmente por Samuel Gibert quien, como en anteriores ocasiones, no dejará de lado su propio estilo para plasmar en el escenario la historia en cuestión. ALGUIEN, en su propia esencia, posee un tono desenfadado y satírico con sus toques surrealistas pero sin perder por ello de vista la fuerza dramática de su narración así como la critica que ejerce la obra hacia la sociedad que vivimos hoy en día.  Para esta ocasión, Samuel Gibert se propone mostrar a los espectadores un reflejo de una sociedad alienada y pasiva ante todo lo que le rodea.Una sociedad destinada, en apariencia, a mantenerse en una actitud egoísta, cínica y pesimista de la vida, sin la posibilidad de crear algo constructivo ni levantar las alas por algo o por alguien. El mundo parece no poder hacer algo por si mismo para salir de su inmovilismo. Pero, dentro de la ideología de las obras de Samuel Gibert, tras la critica esta la posibilidad de dar una luz a los personajes protagonistas y al espectador a tanta negritud y pesimismo, una posibilidad de redención o de solución para todos. Compartir es la clave para abrirnos paso en el mundo. Es por eso porque, a pesar de la critica sobre el mundo en la obra, ALGUIEN, dentro de su discurso, mantiene una puerta abierta a la esperanza para el personaje principal, Cristóbal. Una puerta abierta accidentalmente por alguien que simplemente pasaba por ahí, el enigmático Uhm.

ALGUIEN se presentará al publico el 20 de Febrero de 2010, sábado, a las 19:30 horas. En el Centro Civico de Otxarkoaga.

Es una producción realizada por SCARTARIS - GRUPO ARTISTICO.

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SI TU SUPIERAS… ¡Vuelve al escenario!

sts cartel“Mas allá del Saber hay un lugar…”. Esta es la frase que reza el cartel de “SI TU SUPIERAS”. Los puntos suspensivos intentaban provocar a los espectadores para que se preguntasen que lugar es ese del cual el cartel habla. Es decir, si existe realmente un lugar donde podemos actuar con verdadera inteligencia y con conocimiento autentico de lo que pueda pasar en nuestras vidas por culpa de nuestras decisiones... e indecisiones.  La obra, como toda manifestación artística, trata de resolver las preguntas de los espectadores e incluso plantea nuevas preguntas a todo cuanto merezca una segunda vuelta en los caminos de la verdad. Como decía aquel “el camino de la verdad da mucha vueltas”. El subtexto de este montaje teatral habla sobre el corazón, de donde surge nuestro verdadero valor y de donde nace la inteligencia emocional, el instinto y la supervivencia. Escrita en febrero de 2009 y estrenada el 16 de mayo de ese mismo año, SI TU SUPIERAS fue la continuación, por su forma estructural y estilo, de “El Alma En Blanco”, escrita e interpretada también por Samuel Gibert (un servidor). De acuerdo con superar a “El Alma en Blanco” como divertimento teatral, este montaje surgió de un brote de espontaneidad y frescura por parte del autor durante un periodo de reposo en los escenarios. Una espontaneidad que la misma obra llego a mostrar ante los espectadores en el día de su estreno. Este nuevo montaje en episodios independientes se presenta con un sentido del humor mas marcado y un ritmo mas frenético y endiablado que en los anteriores montajes de Samuel Gibert. El trabajo de SI TU SUPIERAS… ayudo a cimentar la base de su ultima obra, “ALGUIEN”, que regresará a los escenarios en 2010. Pero antes del terminar el 2009 tenemos este divertido show con unas pinceladas de trascendencia y reflexión.

samuel mira arriba

SI TU SUPIERAS posee un abanico muy variado de personajes, todos interpretados por el mismo actor. La idea fue reunir a una serie de anti-héroes de andar por casa en distintas escenas y someterlos a una difícil situación, donde su inteligencia y su pericia fuera puesta a prueba. Para salir airosos estos personajes dejan a un lado su consciencia y terminan actuando por instinto. Sucede también que cuando no llaman ellos mismos al instinto para solucionar sus problemas es el mismo instinto el que les llama a las puertas de sus corazones. Así nació Juan Ballesteros y el búho Plutarco, intentando usar su sabiduría escondida bajo refranes y frases hechas para zafarse de pagar el alquiler. Existen otros personajes como el Cabo pregonero del pueblo de Villamoral de Ocaña (una critica al fascismo), el cuenta-cuentos Jorge Esopo (secuencia sobre la sabiduría de las fabulas y su crueldad explicita), o Eduardo Molinos torpemente pidiendo disculpas a su novia, usando todo su saber para salvar una situación difícil, donde la lógica y las emociones se colisionan para un crear un bing-bang de insólitas situaciones y bla, bla, bla… Mitad monologos y mitad escenas interpretadas con cuarta pared pero siempre teniendo en cuenta aun personaje bien distinto de los anteriores y en una decisión donde debe actuar tal como es para salir adelante. Es el caso de Luís José Garcí, presentando un programa de TV sobre cine y dando rienda suelta a sus pasiones para defender su postura y su visión personal sobre el cine y la vida; es también el caso de Pete Segger, cantante de música folclórica norteamericana, con un minuto para actuar mientras le meten prisa; y es el caso de Bruce McClane (parodia de La Jungla de Cristal y Arma Letal) intentando parar desesperadamente un bomba que volara todo el teatro por los aires. Finalmente esta Richard Nixon, el presidente que tuvo que dimitir por el caso Watergate y las famosas cintas grabadas en la Casa Blanca. En esta ocasión se trataba de mostrar a un personaje en la cuerda floja, con la presión de tomar una decisión desagradable para evitar un mal muchísimo mayor. Un hombre renunciando a todo lo que ha querido ser por culpa precisamente de su propia forma de ser. Este ultimo capitulo del montaje trata de mostrar las luces y las sombras de la inteligencia humana, mas una situación tragicómica en su esencia que un momento cómico sin contemplaciones.

SI TU SUPIERAS trata de ser puro entretenimiento teatral, con comedia y situaciones disparatadas de la mano de unos personajes de lo mas peculiares. Sin embargo existe un fondo reflexivo y serio respirable en el planteamiento del montaje, donde la obra trata de dignificar a las personas, muy a pesar de sus puntos vulnerables y sus defectos. La posibilidad de redención y el espíritu de lucha es una constante en el montaje a lo largo de sus siete episodios.  SI TU SUPIERAS empuja a sus esporádicos protagonistas y a los espectadores a hablar sobre los misterios de la sabiduría: donde reside, donde crece, de donde viene, para que sirve, que significa ser sabio… Y sobre todo formulando preguntas sobre la verdadera esencia del saber, si es mas un pensamiento o una acción, si nace de la mente o del corazón, si proviene de ambas partes o simplemente es un acto reflejo, una acumulación de múltiples virtudes o algo que surge cada muy poquito tiempo a lo largo de toda nuestra vida. El Grupo  Artístico SCARTARIS les desea que pasen una hora agradable en compañía de Samuel Gibert.

SI TU SUPIERAS se reestrena en la sala La Haceria (Ribera de Deusto 45, Bilbao). Estará en cartel durante todo el mes de Diciembre los Sábados y Domingos a las 20:30 horas. A partir del día 5 y 6 de Diciembre. El precio de entrada es de 5 euros.

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EL ACTO POETICO. Historia de un sketch

Para ver el sketch "El Acto Poetico" pinchar aqui: http://samuelgibert.com/?p=videobook

Eduardo al Telefono“El Acto Poético” fue uno de los mejores sketchs del montaje “El Alma En Blanco”. Creo que mucha gente se siente identificada con este personaje que intenta enamorar a un chica por teléfono a través de unas desastrosas artes para el romance, comenzando por un horrible poema escrito sin mucho talento y continuando con unas artes para la seducción risibles. Este sketch comenzó con una idea muy diferente  a la que finalmente se quedo. Paseando con un amigo, recuerdo un vendedor de cupones que vi en la calle cuya forma de vender, por la voz y la expresión, me dejo descolocado, me creó una mezcla de simpatía y desconcierto. Con un tono muy triste y melancólico vendía sus cupones con frases como “pruebe su suerte. Le esta esperando. Los precios suben y… la vida sube, todo sube”. Me pareció una base interesante para crear un personaje que recitara una poesía penosa al publico. Luego me di cuenta que lo que estaba haciendo o intentando hacer era muy pobre de espíritu  e incluso penoso, rozando lo patético. Así que pase de la idea pero me quede con el poema penoso. Así cree a un héroe: Eduardo.

Eduardo que, con su poca cabeza, aunque con un corazón entregado, intenta alcanzar el alma de Estela (homenaje a “Un Tranvía llamado Deseo”), quien se encuentra al otro lado del teléfono. El poema que escribí, “Mis flores se han marchitado” fue incluso creado antes de la concepción de Eduardo y el tema del teléfono. Eduardo es el personaje mas “normal” de todos cuanto posee “El Alma en Blanco”. No es un Dios, ni un personaje de literatura, ni un rostro famoso ni un producto de la imaginación mas surrealista. Eduardo es un personaje vitalista que se mueve directamente bajo orden de sus impulsos mas primarios. “Mis flores se han marchitado” es un poema que sigue la línea de los textos del sketch de Orson Welles en la obra: cuanto mas surrealismo y absurdeces mejor. En esta ocasión la absurdez esta todavía mas intensificada por el contraste entre la realidad que vive Estela y la locura sin nombre de Eduardo (casi sin nombre). A cada línea normal de poema le sigue una soberana estupidez. Y cada estupidez supera a la anterior, al igual que la misma estupidez de Eduardo que se eleva con el paso de la secuencia, incapaz de entender bien su propia letra. Finalmente ella le cuelga definitivamente y Eduardo se sienta a meditar y lamentarse. Es cuando suena “Unchained Melody” por la sala. Eduardo empieza a buscar por donde sale esa música que le esta martirizando y salta al publico en busca de una respuesta. Fue una buena idea que pasados casi 50 minutos de obra se pudiera romper la cuarta pared e interactuar con el publico. También pude sacar partido al técnico de luz y sonido que interpreta un pequeño pasaje, cuando Eduardo se enfrenta a el para obligarle  a poner otra música. Esta parte fue realizada por Zuriñe Soto, realizadora de Luz y Sonido en "Leonor", "El Alma En Blanco" y "Si Tu Supieras..." y que aquí cobra un protagonismo muy especial.

eduardo bailando La música juega un papel fundamental en la escena con las canciones “Without You” (como inicio al capitulo) y que el mismo protagonista medio interpreta para si mismo, seguida por “Unchained Melody” (simbolizando la tristeza de Eduardo) y “Eternal Flame”, que el propio técnico de sonido coloca para vengarse de los malos tratos de Eduardo hacia su persona. El publico, que es capaz de reconocer las canciones, encuentra mas puntos de unión entre ellos mismos y los sentimientos Eduardo. La otra estrella de esta escena es el teléfono. En estos tiempos de móviles de alta tecnología, sofisticados y minúsculos, era una buena oportunidad para recuperar el romanticismo de los viejos teléfonos de toda la vida, metiendo el dedo en cada numero y girando la rueda, dejándose oír ese sonido tan característico. Le encargué a mi padre que me buscara un teléfono de principios de los 80 y encontró uno de origen francés, manufacturado por la propia compañía telefónica oficial de Francia. Su aspecto “retro” le da un toque fabuloso a la escena porque te retrotrae a una época en la que teníamos teléfonos tan rudimentarios y básicos como estos.

El humor que esta escena emana posee influencias de Gila, pero especialmente de Les Luthiers, a los que soy un admirador incondicional. Sobre todo de Daniel Rabinovich, el mas sano loco de este increíble grupo argentino. A ellos les debo mucho de las mejores risas que me he echado en mi vida, así como les doy desde aquí las gracias a tantos artistas que me han inspirado como los Monty Python, los Hermanos Marx, Ricky Mayall, Faemino y Cansado, Martes y Trece, Peter Sellers, Jerry Lewis y Jim Abrahams con los hermanos Zucker (“Aterriza como Puedas” y “Top Secret”). La inspiración para crear a Eduardo finalmente fue una fusión de mucho humor absurdo y de situación con pequeñas observaciones de personas que conozco, de amigos y compañeros.

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Samuel Gibert

Mayo 2009

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“AVENTURAS DE PAPEL”: Realización del “sketch de Orson Welles”

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Welles, OrsonSe trataba de hacer un programa radiofónico de los años 30 para la CBS como los de Orson Welles, con el mismo aire y estilo de guión e interpretación que transmitía el propio Welles. Todo esto nació de un proyecto que duro apenas 24 horas en mi cabeza y que nunca llegó a hacerse: crear un documental en video que parodiaba el cortometraje documental de Welles “The Country of the Basque”. En este documental para cine Welles explica las particularidades del pueblo vasco con el mismo como protagonista, andando por las calles de los pueblos y entrevistando a la gente, añadiendo su voz en off explicando la autenticidad de los vascos respecto al resto del resto de civilizaciones. Este documental ha tenido mucho éxito en Internet (en youtube.com) y ha dado pie a muchísimas discusiones de foristas que han terminado a insultos relacionados con temas de política y cultura, horrible combinación en la mayor parte de las ocasiones.

El sketch es una parodia del mundo radiofónico y sobre el estilo de aquel programa que simplemente yo saque de quicio, llegando a niveles grotescos en beneficio del humor pero no  en detrimento de ninguna sociedad, dado el contenido de los textos. Puede existir sobre todo quien encuentre alguna tendenciosidad partidista en el contenido de la escena pero para ahorrarnos la discusión expreso desde aquí que existe una critica directa mía hacia el sentimentalismo patriótico, diferente del sentimiento patriótico el cual yo respeto mucho. Simplemente creo que resulta gracioso hacer ver que exaltar un país simplemente porque es en el que vives y no por otra razón llega a resultar algo bastante pobre y anodino. El primero que siente morriña cuando se va de casa soy yo pero estoy mas que seguro que me pasaría lo mismo viviese donde viviese. Esta claro que no hay nada como el hogar, pero porque es tu hogar, no por otra cosa.  “The Country of the Basque” no contenía este aspecto pero lo he aprovechado para insertarlo en este “monologo”. Del documental de Welles original me quedo con el mismo Welles leyendo con la voz en off en su particular estilo y hablando con los lugareños. Como “chivo expiatorio” elegí Indautxu porque es el barrio donde vivo y me ayuda a utilizar mi imaginación mientras escribo e interpreto. Lo mismo podía utilizar otro barrio. No quiero ridiculizar nada en concreto, solo hacer humor absurdo de un concepto. Lo agradable de este capitulo es que de repente el escenario se convierte en una sala de radio de la CBS y tenemos a todo un personaje. El Welles original era ya un personaje, no hay duda. Lo era en vida dentro y fuera de la radio, el cine y la televisión. Recuerdo hacer imitaciones con un amigo para reírnos. Estaban sacadas de quicio, como digo, pero su esencia la habíamos captado. Pero basarme en esa imitación hubiera quedado demasiado histriónico en detrimento del guión así que intente darle cierta categoría y seriedad dejando que los textos sugirieran la parte demencial del tema. Recuerdo escuchar mucho la voz de Orson Welles de su documental y quedarme con la fuerza y la entrega que emanaba e incluso la musicalidad de sus frases, su tono. También unas fotos de el realizando el programa me ayudo bastante. Siempre he pensado en Orson Welles como en un niño grande, alguien que hasta muy mayor mantuvo una mirada inocente y abierta, sinónimo de su forma de ser y actuar. También muy enérgica y potente. Y si observamos su filmografía nos damos cuenta que este hombre debió tener una personalidad muy marcada, muy fuerte y decidida. Solamente con lo que consiguió con “Ciudadano Kane” se entiende que el tipo debía ser muy valiente e inteligente además de creativo e imaginativo.

Welles, orson 2Durante el programa de radio que interpreto aparecen distintas voces. Esto son licencias de guión. Por supuesto que Welles, que yo sepa, no se dedicaba a fabricar voces falsas pero aquí me lo permito una vez mas en beneneficio del humor. ¿En quienes están basadas las voces?, bueno, pues en gente que he conocido en mi vida de muchos y pocos años atrás, pero sus voces están deformadas y distorsionadas por mi. Creo que al final en las interpretaciones uno coge algo de la vida real y lo transforma de manera que adquiere vida propia, de ahí que la ofensa queda diluida porque ya ni se piensa en el origen de la creación. Estas voces creo que le dan mucha riqueza al guión y espontaneidad a la actuación. Pero ¡si!, no tiene mucho sentido que Welles se ponga a fabricar voces.

En lo que a fabricar se refiere, aquí se lleva la palma mi padre con el micrófono de la CBS que diseñó basándose en las fotos de Welles trabajando en la radio. Entre otras cosas, decir que mi padre construyo el micrófono en tiempo record, como siempre, y su aspecto es deslumbrante, el del micrófono quiero decir. Es mágico y es tan protagonista en la escena como Welles. También yo “costumice” unos cascos para que parecieran mas antiguos. Con el altavoz detrás mió en la escena (construido con cartón-pluma por mi padre mas los detalles), el atril y el micrófono y los cascos el aspecto desde afuera es impecable y maravilloso además de practico. Una vez mas, sientes la mitad del trabajo hecho cuando te rodeas de estas cosas. Otro aspecto interesante de este capitulo es que trabajas desde la escena con el operador de luz y sonido (en esta ocasión con Zuriñe Soto) que esta al tanto de las ordenes de Welles y por tanto también se incorpora a la acción. Es algo que le da riqueza al asunto. Es una manera de reivindicar el trabajo del técnico de luz y sonido, normalmente olvidado en la oscuridad y sin tener en cuenta su importancia y su creatividad. Y digo esto porque yo también lo he sido en ocasiones y lo considero un trabajo muy entretenido, sobre todo cuando tienes muchas cosas que hacer con la música y la luz. Hablando de la música, este capitulo tiene dos piezas musicales con una de jazz para introducir al personaje y crear ambiente y otra como cabecera del programa, pieza perteneciente a la banda sonora de “Ciudadano Kane” escrita por Bernard Herrman (uno de los grandes compositores de bandas sonoras, para mi) quien fue precisamente el que compuso las músicas de los programas radiofónicos originales de Welles. Así que, recapitulando, la recreación de la escena es bastante rica y con pocos costes. Otra de las buenas piezas del montaje “El Alma en Blanco”.

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Samuel Gibert Cobos.

Mayo de 2009

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DESHACIENDO “ LA CARNE SÓLIDA Y FIRME DE HAMLET”

 “Ojala que esta carne tan sólida y firme se fundiera y derritiera hecha rocío o que El Eterno jamás hubiera promulgado una ley contra el suicidio…”

“Hamlet”  

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 hamlet con espadaEl origen del monologo de Hamlet en el sketch “La Carne Sólida y Firme de Hamlet” dentro del montaje  “El Alma En Blanco” nació con la intención de parodiar (homenajear es la palabra muy usada en estos casos) la interpretación de Eduard Fernández en la versión dirigida por Luís Pascual y con la que el actor obtuvo un merecido premio Max al mejor actor del año. Por aquella época mi clase de interpretación estaba preparando su propia versión de Hamlet en la que yo pude hacer de Horacio, y en otro pase de Bernardo y el Fantasma del Rey Hamlet. Así que la obra de Hamlet obtuvo un protagonismo especial e intenso en mi vida durante esos meses. Aprendí mucho sobre Hamlet trabajando como Horacio, su mas intimo amigo. Hasta tal punto que llegue a sentir en ocasiones, como personaje, lo que Hamlet podía sentir durante la obra. Lo de parodiar a Eduard Fernández fue una idea bastante carnavalesca que se evaporo, por suerte, en seguida en mi cabeza dándome cuenta que tampoco había mucho que parodiar. Su interpretación tenia unos puntos que a muchos nos llamo la atención pero se quedo en eso nada mas, la labor de Fernández en Hamlet fue extraordinaria y magnética. Además no estaba seguro de desear convertir una interpretación de Hamlet en un ocurrencia. Lo mas interesante termino siendo fusionar el drama real con el absurdo cómico, el dramatismo con cargas de ironía y sarcasmo. Al final se convirtió en un homenaje a los actores que han interpretado Hamlet, con la intensidad y complejidad de la obra y, por supuesto, el personaje. Elegí un texto de Hamlet, un monologo, que no fuera, para empezar, el de “ser o no ser” mas que nada por salirme del tópico. Termine eligiendo el primer monologo largo del personaje dentro de la obra donde Hamlet expresa por vez primera y a solas sus oscuros y negros pensamientos y sentimientos hacia lo que esta viviendo. Solo, en el salón del trono, se auto fustiga con un monologo sincero y desesperado. El propio compañero de escena que interpreto Hamlet en la escuela reconoció, cuando le presente este trabajo que este era su monologo favorito. Bien, pero yo no me iba a quedar aquí.

Me di cuenta que este Hamlet debía ser mas abierto al publico en un sentido literal y emocional, pero en un sentido también teatral dentro del mismo mundo de lo teatral. Me explico. Este sketch tiene su propia dinámica, y aunque el dramatismo en momentos dados son necesarios para dar categoría y peso a cada una de las historias este no es el objetivo. En este primer retrato de Hamlet observamos la visión de un actor interpretando a Hamlet. Entran de esta manera muchos tópicos y clichés de interpretación habituales en Hamlets vistos ya hasta la saciedad pero aquí sacados de quicio. Además se rompen reglas con el objetivo de crear algo mas imaginativo y dinámico dentro de lo que este espectáculo exige como por ejemplo que el personaje explique en pleno monologo cosas del propio texto que esta interpretando en directo, o también tratar con un Horacio invisible pero real para el propio Hamlet. Y sobre todo esta la alteración de los textos que se extienden mas allá del original, vulgarizándolos sin duda, o mezclándolo con otros textos de otras paginas de la obra original. Podría decirse que hablamos de un Hamlet visceral, paranoico, reaccionario, infantil, dubitativo, absurdo, extravagante… con semejante panorama en el palacio no es extraño que termine así.  Este es un Hamlet épico-espectacular-ilustrativo, o incluso pictórico con tintes burlescos. Esto ya se que es muy fácil escribirlo aunque menos creérselo, pero uno escribe a veces tal cual como siente las cosas.

hamlet hablandoEste sketch es como el ABC del mundo de Hamlet: con su necesidad de decisión ante la adversidad, su  creciente interior y su única y verdadera relación fuerte y positiva que es la que mantiene con Horacio. Lo de mas en una tortura mental para nuestro príncipe de Dinamarca quien no pierde ocasión en fustigarse con un cuchillo o una espada cuando no lo hace con monólogos autodestructivos y dañinos para su alma y espíritu. Al final toma la decisión de escribir una obra de teatro sobre la muerte de su padre, y así mostramos a un personaje dentro de una obra que encuentra la solución con la fuerza de la pluma y la hoja de papel, muy propio dentro de este montaje. Durante la secuencia existe una relación estrecha de Gerard Gutiérrez (el actor que interpreta a Hamlet) con el apuntador, escondido en la famosa “concha”. Este apuntador constantemente le obliga a Gutiérrez a explicar al publico de que va lo que esta diciendo Hamlet, expresiones como “El León de Nemea”, “Hiperion” o “Niobe”. Lo oímos decir mucho en los teatros cuando vamos a ver Hamlet o cualquier obra de Shakespeare pero… ¿cuántas veces pasamos por alto que quieren decir estas cosas?. Convertir al apuntador en co-protagonista fue la gran guinda que dio una tridimensionalidad al drama de Gutiérrez: tener solo obstáculos a la hora de pronunciar un discurso tan solemne. Al final Gutiérrez hace lo que tanto le costaba a Hamlet, matar y acabar con su enemigo declarado, en este caso el apuntador que no deja de interrumpir una gran interpretación.  Con paso del tiempo, que se concibió este sketch, la interpretación de Gutiérrez ha ido amalgamando visiones de Hamlet procedentes de Eduard Fernández, Lawrence Olivier, Derek Jacobi y incluso la de Mel Gibson. Existe una larga lista de artistas a lo largo de la historia que han querido dar su visión de Hamlet, lo mismo pasa con directores de teatro y cine que han querido buscar, para bien o para mal, una forma distinta a las demás de adaptar los textos de Shakespeare. Deseo exponer desde aquí, como reflexión, la pregunta sobre el porque meterse en camisas de once baras intentando ser tan “originales” en las propuestas de muchos productores de teatro y realizadores imponiendo estrafalarias y epatantes visiones de las obras de Shakespeare cuando bastante trabajo duro es de por sí el interpretar la obra siendo fiel a sus textos y a las emociones que propone. ¿Por qué tanta obsesión en como “mostrar” Hamlet desde una perspectiva única en su especie y no en hacerla emocionante y entretenida que es en definitiva lo que su autor deseaba?. Para hacer honor a los que creo que han tenido una visión noble y sincera sobre el modo de enfocar obras como Hamlet a la hora de interpretarse ofrezco la posibilidad de pinchar este link para ver la interpretación de Derek Jakobi, quien incluso se parodió a si mismo como interprete Shakespeariano en un capítulo de Frasier. Puede versé tambien en este link. Merece la pena.

Volviendo al sketch, el atrezzo usado tiene su pequeña historia. La espada de Hamlet fue decorada por Miguel Gibert (mi padre) para la ocasión a partir de una espada de madera que compre en Toledo en la pequeña gira que compartí con la obra teatral “La Posadera”. El lugar donde la espada esta colocada, al lado del trono, es una base con peana recogido hace muchos años  de la basura mas cercana, una pieza única de gran belleza estética y que se pintó de blanco para la obra, añadiéndole en la plataforma superior un soporte especial para la espada. Tuve dos cuchillos distintos para Gutiérrez/Hamlet. El primer cuchillo  era uno de cocina y fue “customizádo” para la primera ocasión que se estrenó la obra. El segundo cuchillo tenía mas propiedad, era una navaja estilo "cazador de las Montañas Rocosas" de tamaño considerable, con un estuche especial, y que adquirió mi padre en una tienda de segunda mano. La “concha” del apuntador son tres maderas construidas a medida, pintadas de negro y con unos detalles barrocos para darle un toque decorativo. El pequeño Godzilla que Gutiérrez encuentra detrás del trono (una silla envuelta elegantemente en una tela roja) fue una figura del famoso monstruo nipón que pedimos de importación. La música que utilice para la entrada de Hamlet y el final era parte de la suite de la película “Enemigo Mío” (titulo que le viene perfecto) compuesta por el gran músico Maurice Jarre ("Lawrence de Arabiah" y "Doctor Zhivago"). Con el paso de los bolos de la obra la introducción fue acortándose hasta la mitad para ahorrar tiempo e ir, como se suele decir, directo al grano. Es en estas ocasiones cuando se aprende también que por durar mas algo no es mejor, sino al contrario y sucede en la mayoría de las cosas que se llevan al escenario.

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Samuel Gibert Cobos.

Mayo de 2009

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El sketch de QUE GRANDE SE ME HACE EL CINE.

Homenaje a un programa de tv ¡portentoso!

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garci samuEn este artículo se habla sobre la secuencia de SI TU SUPIERAS dedicada al programa Que Grande es el Cine. El monologo de Jose Luis Garci (perdón, Luís José Garcí) es el resultado de haber sido un fan del programa de tv Que Grande Es el Cine. Creó que fui de los primeros seguidores de este programa televisivo porque incluso me acuerdo de la primera emisión (por eso seré de los primeros). La verdad es que era un placer que en una época donde la televisión empezaba a degenerarse en su oferta surgiera un programa donde emitían clásicos indiscutibles de la historia del cine con un coloquio donde cuatro contertulios experimentados hablaban sobre el film, desgranando al espectador el porque la película poseía esas genialidades, porque era tan buena como se decía que era. Para muchos de nosotros era como el grupo de cinéfilos al que todos queríamos formar parte y que luego entre amigos llegábamos a emular hablando de películas hasta estallarnos las orejas. Para muchas otras personas el debate del programa era muy aburrido, con cuatro tipos hablando a unos niveles incomprensibles para el genero humano. Reconozco que el programa era muy elitista, pero ciertas elites también tienen derecho a tener su espacio en el panorama televisivo por lo menos una vez por semana. Después de todo era cultura y la cultura es algo bueno.  Existió una época intensa en el programa cuando se emitía cine de Don Alfredo, Spielberg, Lean, Curtiz, Ford, Coppola, Los hermanos Marx.... Era especial porque se daban las películas que ya habíamos visto mil veces pero con la emoción de verla con unos entusiastas que nos hablaban de ella diciendo y debatiendo todas esas cosas que siempre nos había gustado oír entre amigos o por la calle. Oír hablar de fútbol es muy fácil, pero oír hablar de Psicosis o El Padrino Parte II es otra cosa algo mas difícil. Hay que buscar con quien hablar de cosas así. De fútbol no hay que buscar, ya te buscan enseguida.

En este programa estuvieron contertulios como Juan Tebar (que grande), Juan Miguel Lamet (único), Juan Cobos, Miguel Marías (inconfundible)… Y a veces incluso había discusiones que animaban mucho el debate porque al menos se contrastaban opiniones y eso era interesante. Porque la mayor parte del tiempo solo oíamos lo buena que era la película, lo extraordinaria que era, la maravilla, la genialidad, lo soberbio, lo magnifico que era… bla, bla, bla…. Y rara vez alguien decía “pues a mi no me parece tan buena”. Pero alguna vez pasaba y era divertido, rompía la tendencia de ser solo un lugar donde cada uno de los contertulios parecía solo estar pendiente de quien decía mas solemnidades de porque es tán buena la película de turno. Pero la estrella del programa era José Luís Garci. Nunca he visto a alguien tan emocionado con el cine, alguien que además ama el cine en todas sus dimensiones y lo adora, y que le es imposible ocultarlo. Garci era siempre el mas entusiasta de todos, el que siempre alzaba la voz y decía “¡y esta escena es prodigiosa!”, “que extraordinaria es tal actriz”, “esto es portentoso”… Siempre era el que mas le gustaba todo, un verdadero devorador de cine. Como decía el mismo “uno de esos directores que han amado el cine antes que la vida”. Interrumpía mucho a los demás contertulios, pero mas por la emoción que se le ponía al oír hablar de una película, sobre todo cuando el quería también defender su parecer. Y claro, el se emocionaba muchisimo, y creo que era por esa razón por la que hablaba sin tapujos y sin importarle que muchos espectadores no pudieran seguirle ni entenderle. Aunque tampoco creo que le importara demasiado porque los debates empezaban a las 12 de la noche o a la una de la madrugada después de la peli que, además, llevaba unos cortes de anuncios eternos cada dos por tres. Era también bastante difícil seguir el programa desde el principio hasta el final. Pero el entusiasmo no decaía en Garci. Aquí teneís un link para ver el colosal programa dedicado a "Psicosis" donde Lamet desafía a todos los contertulios afirmando que tal obra maestra tiene defectos como un colador a pesar de sus grandes lindezas.

garci samu 2Por eso en este sketch, bautizado como Que Grande Se Me Hace el Cine, la idea principal, el gran objetivo, era mostrar al espectador como cada uno de nosotros necesitamos encontrar nuestro espacio para dar rienda suelta a nuestra sabiduría, con todas las emociones que conllevan, con entusiasmo y entrega. Garci es nuestro héroe, en ese caso. Los textos son llevados a la parodia pero no por ello deja de existir un cariño hacia el personaje creado, este presentador cinéfilo amante del cine como director y espectador desde que vio una película proyectada en una pantalla. Es importante todo para el: como se hizo el film, cuando vio la película en el cine, como se sintió, que significo para su vida, como actuaban los actores, que recuerdos vivos le dejo en el subconsciente, las anécdotas. Toda su sabiduría y su orgullo se expresa en esos 10 minutos de monologo. La parte de las efemérides son inventadas (¡es obvio!) aunque están basados en datos algunos auténticos y alterados para la ocasión. La música del principio y final de sketch tenia que ser precisamente la que se utiliza en el programa original de José Luís Garci como cabecera. Es el tema “Moon River” de la película “Desayuno con Diamantes”, compuesto por el genial e irrepetible Henry Mancini. Una maravilla que, ganó el Oscar como mejor canción. Sirva este sketch como homenaje a ese programa de televisión que durante unos años me hizo disfrutar del cine y me empujo a hablar de cine. Algunos de los coloquios todavía los veo en cintas de video y los  disfruto con tanto entusiasmo como las películas que se emitían. ¡Que Grande es el Cine!.

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Samuel Gibert Cobos.

Septiembre de 2009